Arte urbano en las calles de Buenos Aires

Foto: Stencil Revolution. Imágen creada por el grupo Buenos Aires Stencil tras que Estados Unidos invadiera Afganistán. Es el ex presidente de Estados Unidos, George W. Bush, con las orejas del Ratón Mickey y la inscripción "Disney War" (War significa guerra).

El Arte callejero, también conocido como Street art, es un fenómeno que ha aparecido como un movimiento contestatario a conflictos sociales y que con el tiempo ha sido tomado tanto por grandes artistas como por anónimos y aficionados. De este modo, se ha configurado como un ente que vino a democratizar la expresión artística para lograr que puedan ser parte de ella los más diversos sectores, desde su creación hasta su observación.

De este modo, el arte, paulatinamente, dejó de ser reservado para pocos y enmarcado únicamente en galerías elitistas. Se abrió un nuevo camino para que cualquiera pueda hacerle llegar al transeúnte común un mensaje o hacerle conocer una forma de arte creativo y alternativo al convencional, como alimento para el potencial expresivo del imaginario popular.

En el resto del post, el recorrido atravesado por el arte callejero para convertirse en un herramienta social y cultural más en Buenos Aires, y exponentes destacados a nivel local y mundial. Te brindamos los links para que los conozcas mejor y también una dirección web para que comiences a incursionar en tu propia técnica.


Se trata de un desafiante espacio en blanco, capaz de ser conquistado por todo aquel que se atreva a seducirlo, pero siempre a oscuras, fuera del marco legal por constituir una contravención al Código de Convivencia de la Ciudad de Buenos Aires.

Sin embargo, según BBC, los integrantes de bandas de arte callejero conocidas como Buenos Aires Stencil y Run Don't Walk aseguran que no tienen problemas con la Policía: "La policía no hace nada. Ya sabemos qué paredes se pueden pintar y cuáles no. Los policías nos preguntan quién nos manda, qué significan los dibujos, pero nada más. Hacen la vista gorda".

Señalan que es bueno que la gente pueda salir y expresarse en la calle como respuesta a la sobreinformación y publicidad vacía que existe y que nadie elige ver.

Un poco de historia

El 3 de noviembre de 1968, bajo el gobierno de facto de Juan Carlos Onganía, un grupo de artistas exhibió la muestra conocida como "Tucumán arde" en el local de la Confederación General del Trabajo (CGT) de los Argentinos de Rosario, a metros de la Jefatura de Policía y del Comando del Ejéricto. Para lograr exponerla, se la publicitó engañosamente con el nombre "Primera bienal de arte de vanguardia" pero se trataba en realidad de una muestra de alto contenido político, que denunciaba la grave situación que estaba atravesando la provincia de Tucumán, y con críticas explícitas hacia el régimen militar.

Uno de los ejes centrales de denuncia giraba en torno al despido masivo de trabajadores en Tucumán tras una falsa campaña que había emitido el gobierno de facto que decía que iba a indistrializar la provincia para en realidad cerrar ingenios azucareros que conformaban el motor productivo de la provincia. Se expusieron fotografías, carteles, cortometrajes y grabaciones con testimonios de los trabajadores, noticias relacionadas al cierre de ingenios y más.

Al ingresar a la muestra, había que pisar el nombre de los dueños de las azucareras, y en alusión a ellos se servía café sin azucar. Además, cada 30 segundos se apagaban las luces en referencia a que en ese mismo instante se podía estar muriendo una persona en Tucumán nada más ni nada menos que por hambre.

Semanas más tardes se volvió a exhibir la muestra pero esta vez los artistas decidieron levantarla por recibir amenazas policiales de cerrar la sede central de la entidad gremial. En este contexto, se realizaron pintadas con aerosol por las paredes de las calles con el lema "Tucumán arde" para generar conciencia sobre la situación en la provincia.

Foto: Encuentro

Otro hito histórico de arte callejero en Argentina fue el "Siluetazo" de 1983. Con el regreso de la democracia, una pintada de siluetas de detenidos- desparecidos amaneció en la Plaza de Mayo de la ciudad de Buenos Aires.

A partir de entonces, los graffitis urbanos se tornaron cada vez más comunes. Y el fenómeno se profundizó tras la crisis económica- social de 2001, con el fin del gobierno de De La Rúa, de la convertibilidad, con el corralito y los millones de argentinos que se quedaron sin trabajo y debajo del índice de pobreza.

Esta inyección de las más diversas sensaciones generó una expansión incesante del arte callejero y comenzaron a ser cada vez más visibles los graffitis a modo de protesta, y también dibujos, pinturas, posters, murales y, entre otros, Stencil, una técnica de grabado por repetición que es estampable.

El Street art se fue profesionalizando y empezó a estar cada vez más ligado con su entorno, un comic de contenido político no tendría el mismo significado acaso en la pared de un callejón que en algún epicentro político. Los mensajes, en muchos casos, se tranformaron en emblemas dirigidos.

Transucurrido el tiempo, el arte callejero dejó de ser una expresión únicamente contestataria y comenzaron a aparecer también creaciones divertidas, decorativas, o simplemente como arte por sé. A gusto y piacere del autor y con los más diversos estilos.

Este fenómeno tiene especial incidencia en ciudades como Berlín, San Pablo, Barcelona, Londres, Toronto, Nueva York y Buenos Aires. Además, está cada vez más globalizado. Por ejemplo, el blog Arte y callejero contiene una galería digital de participación colectiva que expone el arte urbano de diversas ciudades del mundo.

En Tucumán Arde se proclamaba: "Arte es todo lo que moviliza y agita. Arte es lo que niega radicalmente este modo de vida. Hagamos algo para cambiarlo". Hoy en día, todo tipo de pintadas conviven con las calles y habitantes de Buenos Aires, como un ente más de la ciudad. Ahora sólo falta una regulación con el fin de que estén contempladas en el marco legal, con posibles restricciones para respetar ciertos espacios públicos, pero en definitiva, para que este arte ya no se de sólamente a oscuras y se transforme en una verdadera expresión popular.


Links interesantes

Movimientos de Arte callejero en Buenos Aires

- Holliwood in camboya, exposición ubicada en el barrio de palermo que se dedica exclusivamente a difundir el arte callejero. Ingresá aquí para saber más.

- Grupo de Street art conocido como Buenos Aires Stencil o también como NN, GG y Roux. Se formó en 2002 luego de la crisis de 2001. Hacé click aquí para conocerlos.

- Colectivo urbano Run Don't Walk (algo así como "corré, no camines").

- Incursioná en el arte callejero y empezá a experimentar por tu cuenta. Acá un link para que des los primeros pasos. Si querés ser parte de este movimiento, no te olvides de contactarte con alguno de los colectivos sociales que ya tienen experiencia para que te brinden consejos con el fin de no tener problemas legales. Además, recordá que los aerosoles son grandes contaminantes y buscá elementos y materiales adecuados para que tu libre expresión no termine perjudicando al medio ambiente y a la salud de los traseúntes.

Artistas urbanos en el mundo

- El inglés Banksy es uno de los máximos exponentes.Ver www.banksy.co.uk.

- Frank Shepard Fairey, OBEY, estadounidense, uno de los primeros artistas de graffiti que incursionó en la técncia de pegatina como itnervención en el espacio público de finales del siglo XX





Foto: Philip Rits

- Campaña española VotaDier.

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Foto- galería del Bienal Internacional de Arquitectura

Fotos y nota por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

Desde el sábado y hasta el 12 de octubre se puede visitar en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires la exposición número 12 del Bienal Internacional de Arquitectura (BA09). Se trata de un evento que exhibe obras nacionales e internacionales: premios de diferentes concursos, esculturas de reconocidos artistas, planos, fotografías, maquetas, y un micro- cine con imágenes en movimiento sobre arquitectura, ciudad y territorio.

De entrada libre y gratuita, se destacan muestras de lujosos hoteles, aeropuertos, torres, casinos y construcciones que, se los mire por doquier, fueron construidos con fines lucrativos, en combinación con el voraz consumismo en ascenso que caracteriza a esta era. Sin embargo, coexisten dos mundos paralelos dentro de la exposición. En un rincón aparte, un tanto aislado del resto de las salas, se observan importantes obras relacionados con temáticas sociales.

En ese espacio, fotografías y planos múltiples exhiben construcciones de una madera especial para lograr una arquitectura más sostenible, estrategias para optimizar la energía y generar menor impacto ambiental, casas y edificios con altos estándares ecológicos y tipologías de viviendas para alentar la diversidad, proyectos de restauración de edificios históricos abandonados para transformarlos en hogares de asistencia social, y mucho más.

En el resto de la nota, conocé la historia de esta exposición y una galería de fotos de las obras más destacadas.


El Centro de Arte y Comunicación (CAYC) es la organización que está a cargo de BA09. Según se define la propia entidad, CAYC es “un foro independiente que se ocupa de trabajos creativos e intelectuales relacionados con la arquitectura, el urbanismo, la crítica y la historia del arte”. Realiza conferencias, exhibiciones y encuentros a nivel internacional, y apoya sobre todo el trabajo de los artistas jóvenes para estimular las nuevas ideas, el diálogo y el debate.

En 1984, con la vuelta de la democracia, comenzó a ser uno de los foros de comunicación más importantes de Argentina, con actividades y encuentros de expresiones artísticas en diversos sitios del mundo. Fue allí cuando nació la Bienal Internacional de Arquitectura, la primera edición se realizó en 1985.

Casino- hotel y Centro de Convenciones en Rosario, provincia de Santa Fé.

Obra "El Molino".

Edificios y torres, entre ellos el shopping del Abasto.

Maqueta de torre en Puerto Madero

Maqueta de proyecto urbano

Maqueta y fotografía de torres de Puerto Madero

Puerto de la Música Rosario

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Link oficial

Bienal Internacional de Arquitectura

Tano Romano: "No hay ningún billete que pueda pagar el cariño y aguante de los pibes"

Tano Romano, guitarrista de Razones Concientes y ex de Hermética. Foto: Razones Concientes


Por Marina Garaglia y Natalie Rodgers

El guitarrista Antonio Romano, conocido como El Tano, experimentó diferentes estilos dentro del Heavy Metal. Su primera banda fue Cerbero, y luego creó junto a Ricardo Iorio, que venía de V8, la emblemética Hermética. La banda se separó en 1995: Iorio conformó Almafuerte, y el Tano integró Malón, Visceral, y desde 2003, Razones Concientes.

Con un especial espíritu de trabajo grupal, la melodía de cada instrumento de Razones Conscientes está bien marcada y resulta inconfundible. A su vez, todos los acordes juntos emanan una adrenalina cautivante casi capaz de embriagar por si misma.

El Tano asegura que transmite lo que le sale del corazón a través de la música, y que no hay nada tan gratificante como la energía de los chicos al escucharlos tocar.

A continuación, la entrevista completa y un video de la banda.


- Cuando comenzaste tu carrera como músico, tenías influencias de melodías como Deep Purple y Black Sabbath, ¿ahora cuáles son tus influencias?

Siguen siendo las mismas. Black Sabbath fue la banda que me voló la cabeza, por la que dije ´yo quiero hacer este estilo de música´. Pero Siempre me gusto más componer canciones que sacar temas de otros. También me marcó Deep Purple, pero más Sabbath. Me marcó para seguir el principio del camino que vino después

- Hermética se separó hacer ya casi una década y media, pero en el sitio oficial de la banda decías que sentís algo similar al tocar con Razones Concientes que con Hermética. ¿Cuáles son las similitudes que encontrás?

Es algo que se siente al ensayar. Con esta banda me encuentro con que los temas y los músicos con que estoy tocando me hacen sentir cosas que quizás en otro momento no sentí. Y es también por la calidad de músicos como Eddie Walker que es el que toca el bajo y Pablo Hentsch en batería. Son tipos que todo el tiempo están haciendo cosas que llaman la atención y que me sorprenden. Eso está bueno porque a mí me pasa que cuando me sorprendo con algo enseguida se me ocurren cosas, o riffs para agregar (una especie de figura musical que se repite a lo largo de una melodía) o melodías para poner, y eso hace que estemos tres horas tocando y que nos vayamos re contentos del ensayo pensando y hablando de lo bueno que estuvo tocar. A pesar que ya hace 30 años que vengo tocando, lo bueno es que todavía podemos sentir esas cosas.


- Hace un rato hablabas de esto justamente, de la diferencia de tocar cuando una banda ya está en el auge y cuando recién comienza. ¿Cuáles son las ventajas y desventajas del inicio en una banda?

Cuando recién comenzás pasa por otro lado la cosa. Uno sale a tocar y lo único que le importa es que suene bien. Y si justo mirás para adelante y ves que hay un par de pibes contentos o que cabecean, cantan los temas o hacen un pogo, es algo que no tiene precio. Y después cuando una banda crece ya hay otras cosas que pasan. Pero el sueño de todo músico es salir a la cancha y que los pibes puedan sentir lo que uno siente con las canciones.


- Esta influencia en el público adolescente, ¿cómo influye a la hora de ponerle letras a las canciones?

La mayoría de las letras de heavy metal creo que hablan de cosas que nos pasan. El Heavy Metal es una música que la hace el laburante o el tipo de poco poder adquisitivo en este Argentina. Entonces es también quien sufre las cosas que pasan y que no están bien, como la desocupación, y lo feo y lo malo que vivimos en este país. La mayoría de las bandas tratan de volcar esa bronca en sus letras. Está bueno porque las canciones quedan como documentos que marcan lo que se vive en el momento en que salen. Y es un documento que no se puede borrar con nada, no se puede encajonar ni desaparecer como pasa muchas veces.

- Justamente en Cerbero denunciaban a través de la música la complicidad de la Iglesia con la dictadura militar ¿Cómo fueron cambiando el tema de los contenidos a través del tiempo?

Cada momento tiene su historia. Nosotros con Cerbero íbamos para ese lado y pensábamos que era una de las cosas que no nos gustaban. Pero, sinceramente, en todas las bandas que estuve me preocupe siempre más por la parte musical que por las letras. Muchas veces pasa que hay bandas que tienen letras buenísimas y que lo único que les importa es lo que están diciendo, pero eso tiene que ir acompañado de otra música. Cuando yo escuché Black Sabbath y dije que quería hacer esta música, no entendía nada de lo que decían en inglés. Y hoy tampoco se inglés. O sea que cuando escucho una banda de afuera como Metallica o Megadeth, no sé lo que dicen, lo que me gusta es la música. Y la parte cantada se transforma en una melodía, en un instrumento más en la canción.


- De esto hablabas en una entrevista que te hicieron en el canal MTL en el Cosquín Rock (2009). Decías que la música te permitía transmitir. ¿Qué es lo que quieren transmitir a través de Razones Concientes?

Transmitimos todo lo que nos sale de adentro. Hay algo bueno que tiene Razones Concientes y es que somos músicos que venimos tocando de anteriores bandas, como Eddie Walsker de Lethal, Horca. Quizás estaría bueno que lo explique el.

Eddie Walker: En un instrumento podés decir todo. Es la forma de comunicación que tenemos los músicos. No nos da para cantar, no tenemos voz para cantar, y lo que hace el Tano es cantar con la viola. Y la gente está siempre totalmente indentificada sobre lo que se transmite Va directo y llega al corazón. Son las notas que corresponden, no hay chamuyo en eso.

- Cada integrante de la banda viene de grupos distintos y anteriores. ¿Cómo reacciona al público ante esto?

Nosotros tenemos nuestro estilo marcado. Eddie Walker es un bajista que se destaca porque hace cosas que otros bajistas no hacen. Vos escuchas una banda donde el bajista es EAddie y te das cuenta que es el por más que no sepas qué banda es. El tipo que prende la radio y no conoce la banda, escucha y sabe que estoy yo tocando o el. Y Pablo (batería), que es nuevo, también tiene eso de de que hace cosas diferentes a los demás. Y todas esas cosas hacen las canciones que tenemos. Laburamos más que nada en componer la canción y que el tema tengo un poquito de todo, y no en destacar una guitarra o destacar un bajo o una batería. Trabajamos para que la banda suene como banda y no como solista.


- En unas semanas van a estar tocando en el festival Metal para Todos. ¿Cómo se están preparando?

Creo que estamos preparados para salir a donde sea. Está bueno porque es un festival donde hay muchos pibes y muchos de ellos quizás no conozcan Razones Concientes, si a nosotros pero quizás no a la banda.


- En ese festival van a tocar en el mismo escenario que Almafuerte, donde está Ricardo Iorio ¿Qué te genera esto?

Salimos al escenario, pero ni nos cruzamos. Me parece que está bueno que la gente pueda escuchar a todas las bandas y sacar sus propias conclusiones de cómo suena cada una y qué le parece. Nosotros estamos re contentos y seguros con lo que hacemos.

- ¿Qué proyectos tienen?

Tenemos un monton de fechas. La semana que viene nos vamos a Paraná (12 de septiembre), después a Chaco, Bariloche, Tucumán, Córdoba. En Paraná y Chaco nunca tocamos y eso está buenísimo porque hay muchos chicos que nos esperan. Cada vez que vas al interior es increíble, es otra historia. No hay todos los días recitales como acá. Entonces cuando pinta una banda, la gente viaja 200 o 300 kilómetros para llegar, porque de repente ahí pueden llegar pero hasta acá no. Se juntan pibes de todos lados y te dan una energía, te demuestran un cariño y hay un aguante que es increíble. Eso es impagable, no hay ningún billete que lo pueda pagar.


Para saber más sobre la banda, entrá a http://www.razonesconcientes.com.ar/

Esta nota también fue publicada en arteencalzoncillos.blogspot.com, y un segmento de la entrevista fue emitida al aire en el programa radial Pantera Rosa del taller de radio de TEA

Crítica y trailer del filme 24 hour party people

Foto: My Broadway video


24 hour party people suele ser identificada popularmente con sexo y droga. Si bien es cierto que éstos no escasean a lo largo de la película, se transforman sólo en picantes detalles a la hora de resaltar el verdadero sentido de la trama narrada: el movimiento musical que vivió Manchester entre el 76´ y principios del 90.

La elección de la conjugación de “narrar” no fue azarosa en el párrafo anterior. Sucede que Tony Wilson es el personaje que protagoniza la historia, pero también quien la cuenta a cámara como si no fuera parte ella. Le otorga así al filme un género propio que sobrepasa al drama y también al documental.

Esto se convierte en juego y se suma como uno más de los tantos condimentos que entretienen a los espectadores que acaso no sienten admiración por la música de esta historia. Brilla así el modo irónico usual de hablar de Tony, su soberbia y la expresión de “qué me importa” que lleva siempre grabada en la frente. Todo esto combinado de forma exquisita con la contradicción que representa su marcada indiferencia por enriquecerse con su negocio, y en pos de mantener en alto valores y proridades no propias de su tipo.

Salvo en el episodio que prosigue al suicidio de Ian curtis, el líder de Joy Division, podían envenenar palomas frente a los ojos de Tony Wilson, o hacerle una broma apuntándole con una pistola en la cabeza, que el no cambiaría su expresión de tranquilidad en el rostro.

El protagonista representaba a un periodista, convertido en empresario, que creó el sello discográfico Factory. Realizaba recitales en la discoteca La Hacienda, de dónde luego nacieron bandas como Joy Division, New Order y los Happy Mondays. A Tony Wilson y las bandas que respondían a su empresa sólo los unía un contrato, uno que estaba escrito a sangre e indicaba: “Los artistas son propietarios de sus obras. El sello no es dueño de nada. Nuestras bandas tienen la libertad de irse al carajo”. En síntesis, era un contrato que explicitaba que no existía tal.

De este modo, este hombre ambicioso interpretado por el actor Steve Coogan era un empresario diferente a la media: su volante no era el dinero, sino su “exceso de civismo”, tal cual el mismo relata en el film. Su amor a Manchester y a la música eran su única guía en este camino que comenzó con el punk y terminó con el acid house a principios del 90, cuando no tuvo más opción que cerrar su gran “negocio”.

Era un negocio que no le traía ganancias importantes y que podría habérselas brindado de no ser por haberse mantenido al margen de la venta de estupefacientes en La Hacienda. Los narcotraficantes eran los que se llevaban los billetes fuertes y a su vez los que lo llenaban de problemas. Pero el se sentía honrado por la movida que se generaba en la discoteca, por la gente “genial” que allí se reunía.

Su meta: construir leyendas, hitos históricos, como se hizo en el inicio de la película en un recital de Sex Pistols , presenciado por sólo 40 personas, pero que se convirtió en un emblema del punk para millones de fanáticos hasta el día de hoy.

“En la última cena sólo habían 12 personas”, “Me protegí incluso de tener que pasar por el dilema de venderme quedándome sin nada que vender”, son algunas de las frases que delatan los principios que había detrás de la personalidad de Wilson.

Aún luego de cerrar la Factory, este hombre tenía una sonrisa en su rostro. Y no porque luego de unos años realizaría un nuevo intento en el sello ya que aún no lo sabía, sino porque había hecho historia: el movimiento de Manchester marcó un antes y un después en la música, y esta película dirigida por Michael Winterbottom, nominada para la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes,se encarga de reflejarlo con gran ingenio y perspicacia.

Esta nota la publiqué también en Arteencalzoncillos.blogspot.com.

El arte de la nueva era en el Palai de Glace

Por Marina Garaglia y Natalie Rodgers



Esta semana Arte en Calzoncillos hizo una recorrida por diferentes museos de la ciudad de Buenos Aires. Uno de los sitios más destacados fue la edición número 98 del Salón Nacional de Artes Visuales 2009, en el Palais de Glace, ubicado en Posadas 1725. Se exponen allí las obras premiadas de este concurso, el cual se ha convertido en el certamen más importante de artes plásticas de todo el país.


Con entrada libre y gratuita, al visitar la muestra se pueden contemplar desde esculturas y pinturas, hasta obras interactivas con componentes multimedia. Una diversidad de formas, texturas y estilos que reflejan y transmiten un arte evolucionado y lleno de paradigmas. Participaron en él más de 1800 artistas, y 64 de ellos recibieron premios y menciones.


En el resto de la nota, detalles sobre las obras, testimonios de visitantes de diferentes partes del mundo, y fotos de los premios destacados.

La actividad de los artistas se divide en ocho categorías: arte cerámico, arte textil, dibujo, escultura, fotografía, grabado, nuevos soportes e instalaciones y pintura. Las obras premiadas con carácter de adquisición se suman al patrimonio de la Secretaría de Cultura de la Nación.


El Salón se realiza anualmente desde 1911 con el fin de promover la cultura y la formación de artistas y espectadores. El director del Palais de Glace, Oscar Smoje, explicó a MinutoUno que este espacio se convirtió en un lugar de referencia, de consagración y de legitimación. Además, en referencia al Bicentenario aseguró: “es una de las piezas fundamentales del Estado en la promoción de la producción artística a lo largo de todo el país”.

En los últimos años las disciplinas Fotografía y Nuevos Soportes e Instalaciones han mostrado un constante crecimiento en cuanto a la participación de artista y a la implementación de soportes digitales para la investigación.

Los visitantes de la muestra son de las más variadas edades y orígenes. Europeos, latinoamericanos y asiáticos. Desde parejas jóvenes buscando un poco de ocio, hasta parejas mayores contemplando el arte por sé, y artistas jóvenes en busca de conocer las nuevas tendencias.


“Es una muestras que expone los nuevos movimientos artísticos. A uno lo nutre mucho conocer las técnicas nuevas, cuáles son los nuevos emergentes, los criterios de selección de los jurados de hoy, y todos los contrastes que se presentan en este tipo de sitios”, aseguró Catalina, una artista que trabaja con cerámica.

“Lo primero que siento es que estamos frente a cosas muy siniestras, oscuras y un tanto indefinibles. Me parece que tiene que ver con lo que estamos pasando en el país”, indicó una porteña de unos 60 años que aseguró que asiste al evento todos los años. “Veo unas obras muy sui generi, muy alocadas”, expresó un visitante ecuatoriano.

Existían distintas perspectivas sobre la muestra, pero en lo que la mayoría de los visitantes coincidía era en la importancia de la realización de eventos de esta índole en los cuales se reflejara un arte libre y nacional. Inaugurado el 26 de septiembre, el Salón se puede visitar hasta el 18 de octubre, de martes a viernes de 12 a 20 y sábados y domingos de 10 a 20.

Ingresá Aquí para contactar al Salón Nacional vía Facebook, y conocer los nombres del jurado y los premiados de todas las disciplinas.


ARTE CERÁMICO


Gran Premio Adquisición: Dora Isdatne




ARTE TEXTIL



Gran Premio Adquisición: Susana Dragotta




DIBUJO


Gran Premio Adquisición: Pablo Páez Riva



ESCULTURA


Gran Premio Adquisición: Oscar José Stáffora



FOTOGRAFÍA


Gran Premio Adquisición: Adriana Lestido




PINTURA


Gran Premio Adquisición: Jorge Horacio Pirozzi



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